Schwedischer Prometheus: Das Produktdesign von Erik Höglund

„Das werden wir nie verkaufen können“, erklärten die Verkaufsleiter von Kosta Boda, einem der renommiertesten Hersteller von Glaskunst in Skandinavien, selbstbewusst. Vor den erfahrenen Marktexperten lag eine neue, helle und farbenfrohe Kollektion von Glasstücken mit ungewöhnlichen kantigen Formen: Vasen und Schalen. Der Autor war ein gewisser Erik Höglund. Kosta hatte noch nie zuvor etwas Vergleichbares produziert.

Aus eigener Erfahrung kann ich sagen, dass Höglunds Werke, wenn man sie zum ersten Mal sieht oder, noch besser, in den Händen hält, überhaupt nicht skandinavisch wirken. Dies ist ein weniger bekannter Teil des skandinavischen Designs weltweit.

Produktionsleiter Erik Rosén erlaubte diesem 21-jährigen Träumer jedoch, seine Designexperimente fortzusetzen.

Es war 1953. Europa hatte sich vom Krieg erholt, der Markt wuchs, die Fabrik erweiterte die Produktion, und neue Designs waren nötig, um neue Kunden anzulocken. Zu den während dieser Expansion eingestellten Personen – wenn auch mit einem kurzen Sechsmonatsvertrag und symbolischer Bezahlung – gehörte Höglund. Dies war eine typische Geschichte für diese Zeit.

Ein Jahr später interessierte sich das Nationalmuseum Schwedens für die Objekte des jungen Designers und erwarb mehrere seiner Werke. Dies verstieß gegen die Regeln; normalerweise wurde so etwas nicht getan. Heute sind übrigens 21 von Höglunds Objekten Teil der ständigen Sammlung des Museums.

Erik Höglund, der Sohn eines Auditors aus der südschwedischen Stadt Karlskrona, verbrachte seine Kindheit während des Zweiten Weltkriegs – Schweden nahm nicht am Krieg teil, aber es war keine friedliche Zeit für das Land. Die Angst war besonders an den südlichen Grenzen der Halbinsel, unweit von Deutschland, spürbar.

In einem seiner letzten Interviews erwähnte Erik, dass er in seiner Kindheit begann, Kunst zu schaffen, wobei seine ersten Werke Zeichnungen des Krieges waren – das erste prägende Ereignis in seinem Leben. Das Zeichnen bestimmte Eriks Schicksal: Mit 16 Jahren trat er in die Kunsthochschule Stockholm ein, wo er Malerei, Bildhauerei und Grafik studierte.

Schweden wurde damals zu Recht das Kristallreich genannt. Das Land hatte Dutzende von Glasfabriken. Die großen schwedischen Designer des frühen 20. Jahrhunderts – Simon Gate, Edward Hald und andere – arbeiteten in kalten, düsteren Tönen und Schattierungen. Dies spiegelte die komplexe historische Epoche wider und war ein integraler Bestandteil der schwedischen Kultur: Dichter, Künstler und im 20. Jahrhundert auch Designer feierten das Dämmerlicht des Herbstes und Winters in nordischen Städten und die transparente Kälte des schwedischen Kristalls.

Die Meister schufen einen Kanon der Innenraumkunst: perfekte Formen und Proportionen, kühle eisige Schattierungen, transparentes Glas und funkelnder Kristall. Die Namen der Techniken, die sie mit Glas und Kristall verwendeten, klangen großartig: „Der Gral“, „Der Ariel“.

In nur sechs Monaten nach seinem Abschluss an der Kunsthochschule gelang Höglund das Unmögliche: Er brachte leuchtende Farben ins schwedische Glasdesign und revolutionierte das Konzept der Form. Es schien mir, dass dies ein Ruf der Zeit war: Die Vorkriegskultur in Europa musste durch etwas grundlegend Neues, menschlicheres und kosmopolitischeres ersetzt werden.

Höglunds wiedererkennbarer Stil sollte warme, leuchtende Farben werden: Bernstein, Rot, Grün; und Blasen im Glas, die nicht länger als Fehler eines Glasbläsers galten, sondern dem Material Leben einhauchten. Ziemlich schnell wandte sich der vielseitige Höglund, wie ihn seine Freunde nannten, der Bildhauerei zu. Er arbeitete mit Bronze, Glas, Metall und war einer der Ersten in Schweden, der diese in einem einzigen Stück kombinierte. Heute sind etwa 150 Skulpturen und Kompositionen von Erik Höglund in Schweden und Deutschland zu sehen.

Höglunds Objekte zeichnen sich durch kantige, anthropomorphe Formen aus: zum Beispiel Dekanter mit Torsos und Köpfen als Deckel. Der menschliche Körper, in Glas verkörpert, sollte zu einem konstanten Thema im Werk des Autors werden. Doch dies wären keine Körper klassischer Form.

1954 reiste der junge Designer nach Italien und Griechenland, wo er antike vorrömische Kunst entdeckte. In seinen Objekten verwandelte er primitive ethnische Motive in der Darstellung des Körpers und Gesichts in einen zeitgenössischen modernistischen Stil. Später ließ er sich von den indigenen Kulturen Südamerikas inspirieren – was zu seinen Kristallfiguren mit indianischen Profilen führte, die wie aus Stein gemeißelt wirken.

1957 gewann er den Lunning-Preis, die renommierteste Auszeichnung für skandinavische Designer in den 1950er-1960er Jahren, und wurde der jüngste Preisträger in der Geschichte dieses Preises. Er wurde populär: seine Designs füllten schwedische Häuser und Wohnungen. Dies lag am Charakter Höglunds. Bei der Eröffnung der letzten Gedenkausstellung von Eriks Werken im Jahr 2018 erinnerte sich seine Witwe Ingrid, dass er „wunderbar verrückt bei der Arbeit“ gewesen sei.

Höglund arbeitete 20 lange Jahre bei Kosta und wurde Chefdesigner und künstlerischer Leiter. 1973 verließ er das Unternehmen, weil er sich als Autor außerhalb einer großen Produktion verwirklichen wollte.

Gegen Ende seines Lebens konnte Höglund aufgrund einer fortschreitenden Krankheit nicht mehr gehen, zeichnete aber weiterhin vom Rollstuhl aus. Fast alle Gemälde dieser Zeit, sowie seine letzten Glasarbeiten, sind gefüllt mit leuchtenden Farben und einer besonderen Lebensfreude. Wie Prometheus, der den Menschen das Feuer der leuchtenden Farben gab, trug Erik Höglund es bis zum Schluss in seinen Händen. „Ich habe immer an das geglaubt, was ich tat“, sagte er in seinem letzten Fernsehinterview.

Weitere Werke von Erik Höglund finden Sie auf unserer Website über diesen Link

Zuerst erschienen im AD Magazin